«Alors que, ces dernières années, l’art est devenu un phénomène sociologique incontournable - un enjeu symbolique collectif - l’art d’aujourd’hui pour le public se résume le plus souvent à des œuvres sans intérêt ou à des événements éphémères où le snobisme le dispute à l’insignifiance.Mais je reviens au théâtre avant de me laisser envahir subvertir par les nouvelles : voyons qu'est-ce qui va mal ?
- Alors que la France dispose, en grande partie grâce à l’Etat, d’un maillage de centres d’art contemporain et de musées sur tout le territoire, les artistes français ou vivant en France ont la sensation d’être plus ou moins marginalisés par ceux qui sont censés les défendre. Que, désormais, parmi nombre de fonctionnaires de l’art, un art « officiel, prévaut hormis lequel il n’y aurait point de salut ! »
- Alors que la France et Paris recèlent d’une diversité d’artistes très talentueux, le marché national, malgré les nombreuses galeries et les foires d’art contemporain, n’a pas l’envergure que l’on pourrait souhaiter. Quant à la place de la France sur le marché international, elle ne cesse de reculer d’année en année.
Le Silence des communistes (édité à L'Arche, 94 p.,13 €) est présenté jusqu'au 10 novembre, dans le cadre de Mettre en scène, qui accueille une vingtaine de spectacles, français et étrangers, jusqu'au 17 novembre. Théâtre national de Bretagne, Rennes (Ille-et-Vilaine). Tél. : 02-99-31-12-31Monsieur Jean-Pierre Vincent metteur en scène du "Silence des communistes" article du Monde
En regard, le PCI était une fenêtre ouverte. Il avait un contact avec l'ensemble de la vie italienne. Et puis il était lié à Visconti, à Strehler, à Rosi..., qui étaient des modèles artistiques. Pour ces raisons, il a énormément compté.Donc dans l'Humanité, journal qui demeure et communiste et révélateur, réveilleur d'opinions, j'ai aussi découvert un rappel du budget culturel alloué aux théâtres subventionnés malgré les vœux pieux de Monsieur Sarkozy.
Le PCF a aussi beaucoup compté dans la vie artistique française, à sa manière.
Oui. Ce serait une inconscience historique de première grandeur d'oublier qu'il a été l'artisan principal, avec une partie du gaullisme, de l'invention d'une politique culturelle et théâtrale novatrice et audacieuse dont nous devons bien admettre que nous vivons peut-être la fin. Je me demande si l'histoire du théâtre populaire, qui est devenu le théâtre public, n'aura pas été une parenthèse dans l'histoire de la France. Car cette politique est aujourd'hui en grave danger.
Dans "Le Silence des communistes", il est question de la faillite du communisme. Etes-vous d'accord avec ceux qui disent que cette faillite a laissé un vide ?
Oui. En France, je pense que l'effritement du PCF a laissé un vide dans le parti lui-même et dans ce qui est autour. Ça a laissé en particulier un vide dans le Parti socialiste. Il ne s'agit pas d'un manque de leader, mais de pensée leader. Tous les gens de gauche le ressentent.
Les personnages de Jean-Luc Lagarce aiment revenir en arrière, retourner sur leur pas, se retourner sur leur passé. Et la mort prématurée de l’écrivain, acteur, metteur en scène et éditeur (1957-1995) n’incite que davantage à lire ses pièces comme des rétrospectives, comme autant d’exercices du deuil des souvenirs. Derniers remords avant l’oubli est l’évocation d’un amour de jeunesse ayant uni une femme et deux hommes dans une demeure emplie des parfums de l’été. Désormais, le temps de l’inventaire a succédé à celui de l’invention ; Pierre habite seul la maison que ses amis, accompagnés de leurs conjoints, sont venus le convaincre de vendre. Il est ici question « d’argent, donc de passion(s), donc d’utopie(s), donc d’amour(s) », souligne le jeune metteur en scène Rodolphe Dana, dont c’est la troisième mise en scène, après un Oncle Vania remarqué et, l’an passé, un touchant Pays lointain du même Jean-Luc Lagarce. Il est question aussi, comme souvent chez Lagarce, d’amours et de souvenirs lessivés, d’histoires de famille(s), de règlements de comptes ; de sentiments hantés, incommunicables.
C’est tout cela qui passe dans la langue, la fameuse et singulière langue de Jean-Luc Lagarce. Ces phrases répétées qui ne sont jamais des ratiocinations, simplement des désirs de traquer les sentiments au plus près, au plus juste – plutôt se taire que se trahir. Des sentiments auxquels la parole pourrait redonner tout leur poids si seulement la pensée pouvait lui en laisser le temps, se décider à la suivre, et si seulement la parole était réellement capable d’une telle précision chirurgicale. Les mots de Lagarce sont frères des fêlures et des échecs, ce sont eux qui créent l’atmosphère sombre, étoufante et pourtant tellement lumineuse qui nimbe son théâtre. Pour évoquer cette recherche du temps perdu, Rodolphe Dana cite justement Proust : «On ne guérit d’une douleur qu’à condition de la vivre pleinement.» Et ajoute : «Cette phrase s’applique aussi à l’amour. Et chez Lagarce, ces deux versions résonnent.»
À 88 ans, Merce Cunningham n’en finit pas de s’abandonner aux vertus du hasard pour continuer à nous surprendre, et à se surprendre lui-même, pour déjouer et stimuler son propre imaginaire. Comme il le faisait jadis avec les jets de dés ou de pièces de monnaie, le chorégraphe américain – toujours à la pointe, toujours ailleurs – utilise aujourd’hui l’iPod pour inviter chacun à intervenir librement sur le contexte musical de la pièce qui se joue sous ses yeux.
Pour EyeSpace en effet, sa dernière création, la musique composée par Mikel Rouse (utilisant notamment des samples de piano préparé de John Cage) est distribuée à chaque spectateur sur un baladeur numérique : de la sorte, chacun est libre, durant le spectacle, de laisser la musique se dérouler à sa guise. « Chronologiquement » ou suivant un mode de lecture aléatoire.
Les duos, trios et quatuors exécutés par les 13 danseurs esquissent ainsi un temps à la fois collectif et privé, commun et individuel – et l’expérience théâtrale se fait ici véritablement expérience de la liberté.
Également au programme, deux pièces qui couvrent trente années d’une création qui a bouleversé le XXe siècle chorégraphique : Crises, de 1960, où les intonations jazz des compositions pour piano mécanique de Conlon Nancarrow scandent un face à face à fleur de peau entre cinq danseurs – quatre femmes et un homme – dont les membres sont reliés entre eux par des bandes élastiques. Et CRWDSPCR (1993), dont la frénésie incessante se déploie sur des accents proches du blues.
Coréalisation Théâtre de la Ville ; Festival d’Automne à Paris
La saison 2007-2008 de la Merce Cunningham Dance Company est financée en grande partie grâce au soutien des Carnegie Corporation of New-York, Ford Foundation, Andrew W. Mellon Foundation, Robert Rauschenberg, The Starr Foundation et Save America’s Treasures.
Ce projet a bénéficié d’une aide du National Endowment fort The Arts. Ces représentations sont rendues possibles grâce à des fonds publics provenant du New York State Council on the Arts, agence d’État.
The Eleanor Naylor Dana Charitable Trust, Gladys Kreible Delmas Foundation, The Harkness Foundation for Dance et The Fan Fox and Leslie R. Samuels Foundation ont généreusement contribué à cet engagement.
Une rétrospective intégrale des films de Abbas Kiarostami est présentée au Centre Pompidou à l’occasion de l’exposition Érice-Kiarostami :
correspondances du 19 septembre au 17 janvier.
ART BRUT désigne “des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistique, dans lesquels le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, ait peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythme, façons d’écritures, etc.) de leur propre fonds et non des poncifs de l’art classique ou de l’art à la mode“
Jean Dubuffet
Information publiée le mardi 13 novembre 2007 par Sophie Rabau (source : Thibaud Croisy)
Jeudi 6 décembre 2007, ENS LSH (Lyon 7ème)
Causerie avec Olivier Py
Le JEUDI 6 DECEMBRE à 17 heures dans le Salon Osier de l’ENS LSH
Causerie avec Jean-Michel Rabeux
Le JEUDI 13 DECEMBRE à 17 heures dans le Salon Osier de l’ENS LSH
Afin de clore l’année calendaire en beauté, nous vous proposons, une fois n’est pas coutume, trois causeries en un mois.
Les deux premiers metteurs en scène invités, quoique très différents, présentent néanmoins des points de contacts significatifs en ce qu’ils manifestent un goût prononcé pour le travestisement, mais aussi parce qu’ils entretiennent tous deux une liaision singulière avec l’un de leur comédien.
Olivier Py viendra le premier évoquer ses « Illusions Comiques », qu’il a écrit, mis en scène et dans lequel il joue aux côtés de celui qui l’accompagne dans la quasi-totalité de ses créations : Michel Fau – « un des plus grandes acteurs de sa génération », selon lui, « qui s’est illustré principalement dans des rôles de dame ». Le fait est insolite parce que « totalement absent du théâtre moderne : il faut remonter à l’époque baroque ou aller vers le théâtre extrême-oriental pour trouver des équivalents ».
Jean-Michel Rabeux prendra la relève avec « Emmène-moi au bout du monde ! », un spectacle adapté du roman de Blaise Cendrars dans lequel joue Claude Degliame, comédienne ayant également participé à la plupart des mises en scène de cet artiste qui est aussi son compagnon ; monstre de théâtre dans tous les sens du terme puisque, hormis la reconnaissance dont elle jouit, elle est aussi, aux dires de Jean-Michel Rabeux, « de ces acteurs qui amènent sur scène une monstruosité irréductible » ; monstre travesti, tantôt mâle, tantôt femme, tantôt humaine, tantôt animale, tantôt grecque, tantôt asiatique. C’est donc – entre autres sujets – à une méditation sur la création à deux et sur l’art du comédien que nous vous convions en ce début de mois de décembre. Sur ce travestissement,« comble du théâtre », « philosophie de Platon à l’envers » selon Bruno Tackels puisque « l’acteur n’est pas un menteur qui nous fait croire qu’il sait faire des lits alors qu’il n’a aucune connaissance en menuiserie ; l’acteur est quelqu’un qui nous propose le plus sublime des lits – qui n’est justement pas un lit ! ». Et Olivier Py de citer Jean Genet : « Divine ne voulait pas être femme, elle voulait être fausse ».
Thibaud Croisy
« Illusions Comiques », écrit et mis en scène par Olivier Py est présenté les 4, 5, 6 et 7 décembre à 20 h 00 au Théâtre National Populaire (TNP) de Villeurbanne. Le texte est publié aux éditions Actes Sud.
« Emmène-moi au bout du monde ! », écrit par Blaide Cendrars, adapté et mis en scène par Jean-Michel Rabeux est présenté au Théâtre du Point du Jour les 10 décembre (19 h 30), 11décembre (20 h 30), 12 décembre (19 h 30), 13 décembre (19 h 30), 14 décembre (20 h 30). Le texte est publié aux édtions Gallimard, collection Folio.
Attention : « Emmène-moi au bout du monde ! » nécessitant un dispositif scénique particulier, le nombre de spectateurs et donc de places disponibles s’en trouvera significativement réduit. Nous vous conseillons donc d’acheter vos billets le plus tôt possible.
Les Causeries auront lieu dans le Salon Osier, débuteront à l’heure exacte et sont ouvertes à tous.
Prochaine causerie : le lundi 17 décembre 2007 à 18 h 30 avec Claude Régy, metteur en scène de « Homme sans but d’Arne Lygre », présenté au Théâtre National Populaire (TNP), les 14, 15, 18 et 19 décembre 2007 à 20 h 00 et le 16 décembre à 16 h 00.
Une proposition de Thibaud Croisy, soutenue par la Section Arts et réalisée avec l’aide de Jean-Loup Rivière, Anne Pellois, Delphine Dubost, Elodie Erard, EnScène !
Contact / Thibaud.croisy@ens-lsh.fr
www.ens-lsh.fr
ON NE MET PAS UN FUSIL CHARGÉ SUR LA SCÈNE SI PERSONNE NE VA S’EN SERVIR
Théâtre et spectacles
Chaque été Arkadina vient passer ses vacances dans la maison de campagne de son frère, cette année elle est venue avec son amant Trigorine. Son fils, Tréplev, désireux d’attirer l’attention de sa mère sur lui et de renouer le dialogue avec elle, tente, à la façon d’Hamlet, de saisir sa conscience en organisant la représentation d’une pièce de sa facture, dans le jardin de la propriété. Sa petite amie, Nina, jouera le rôle principal…
L’équipe de la Scène Nationale est heureuse d’accueillir pour la troisième fois (après Titanic City et Tableau autour de G) Frédéric Constant, jeune metteur en scène aux origines loir-et-chériennes, dont le travail a toujours été accompagné par l’œuvre de Tchekhov ; pour lui c’est une référence, un filtre au travers duquel passent ses différentes créations.
Ce projet est né d’une double volonté : concevoir un spectacle que l’on peut jouer partout, dans les salles prestigieuses comme sur les places de villages ; et réaliser une œuvre originale à partir des écrits d’Anton Tchékhov. C’est La Mouette qui, par sa thématique et sa structure, lui est apparue comme le socle idéal à une telle proposition.
On ne met pas un fusil chargé sur la scène si personne ne va s’en servir est donc composé de fragments d’une œuvre, comme une suite théâtrale telle qu’il en existe en musique.
L'ignorant et le fou au Théâtre LOUIS JOUVET
Roland Bertin, Michel Fau, Dominique Valadié, trois comédiens exceptionnels pour incarner un chef d'œuvre bernhardien.
Un médecin fasciné par les opérations légistes, et par l'art lyrique, et le père aveugle et alcoolique attendent, dans sa loge, la reine de la nuit qui n'arrive pas.
"Fabriquer un spectacle qui tire la langue", telle est la gageure d'Emmanuel Daumas, qui a eu l'idée de créer L'Ignorant et le Fou à la suite de sa rencontre avec Dominique Valadié et bien sûr avec l'écriture de Thomas Bernhard. Nous sommes dans une loge d'opéra, la diva, qui va interpréter pour la 222e fois la reine de la nuit, est en retard. L'attendent son père, aveugle, alcoolique et manipulateur, qui l'aime à la folie, et un ami médecin, obsessionnel, pervers, qui décrit scrupuleusement une dissection médico-légale et qui apporte la mort dans ce théâtre...
Face à la vanité de son travail, la cantatrice n'est-elle pas qu'une machine à coloratures surpuissante qui se dérègle, et qui tousse, tousse, tousse...? Les trois se retrouvent dans un restaurant après le spectacle pour un banquet très bernhardien, destructeur en diable, d'où surgit une volupté morbide. Autour de la table, chacun vit sa propre obsession, jusqu'au vertige, jusqu'au malaise. Ce texte, éminemment poétique, oppose nature et artifice, art et société, corps et âme, monstruosité et insignifiance avec gaieté et jubilation.
Auteur : Thomas Bernhard
Artistes : Dominique Valadié, Michel Fau, Roland Bertin, Vincent Deslandres
Metteur en scène : : Emmanuel Daumas
